immagini piú che parole

Bauhaus magico - Fernanda Mancini

Articolo di Fernanda Mancini  da Il nostro Tempo

18 Ottobre 2009  Berllino

| Una grande retrospettiva al Museo Martin Gropius celebra il Bauhaus a novant’anni dalla sua nascita .

 Berlino festeggia i 90 anni del

Bauhaus con una grande mostra

al Martin Gropius-Bau. Oltre mille

pezzi esposti, alcuni assai rari,

altri per la prima volta accessibili

al grande pubblico, come la «Sedia

Africana» di Marcel Breuer e

Gunta Stölzl realizzata nel 1921

ma riapparsa soltanto nel 2004 e

il «Totenhaus der Frau», il sarcofago

di ispirazione egizia che

Schreier progettò per la moglie

nel 1920 e riapparso nel 2002.

Molte anche le nuove pubblicazioni

e, tra queste, di particolare

interesse, la raccolta curata

da Cristoph Wagner «Esoterismo

al Bauhaus. Una revisione

del Moderno?». Mentre dal catalogo,

pur tra le molte e nuove

informazioni, emerge una

lettura aderente al modello

convenzionale del movimento,

il libro, che raccoglie contributi

di studiosi da anni impegnati

in ricerche negli archivi e tra

le carte degli esponenti del

Bauhaus, apre orizzonti culturali

tanto nuovi da suggerire

una revisione della ricezione

tradizionale del gruppo ruotante

intorno a Walter Gropius,

fondatore e capo carismatico.

Il libro tralascia la storia già nota

della Scuola, i suoi confl itti interni

politici e fi losofi ci, per sottolineare

il ruolo avuto da Johannes

Itten nel progetto, da Kandinskij

e Klee, ma poi anche Muche, Schlemmer

e Schreier, e mostrare

come grazie al loro lavoro pratico

e teorico, le radici dell’arte astratta

affondino nella ripresa di temi

antichi, come ad esempio quello

di rendere visibile l’invisibile, della

geometria come ordine spirituale

delle cose, dell’astrologia

come fondamento del cosmo,

del Canone dell’Antico Egitto,

valido sia per la pittura che per la

scultura e le costruzioni.

Un’arte astratta per costruire,

con un linguaggio moderno,

un mondo nuovo che sia anche

in continuità col passato, un

tentativo culturale complessivo

per uscire dalla crisi messa a

fuoco da Nietzsche, alla cui infl

uenza sul Bauhaus è dedicato

un capitolo.

Il Bauhaus nacque nel clima del

dopoguerra, nel 1919. Nella Repubblica

di Weimar lo scontro

politico e l’instabilità sono altissimi.

Ovunque regna sconforto

e disillusione, che si sommano

alla profonda crisi di tutti i principi

sviluppati nella storia dell’Occidente,

una crisi elaborata

in quella fucina dei nuovi tempi

che è stato il XIX secolo. Vi sono

tuttavia anche forti spinte utopiche,

e il Bauhaus è appunto un

progetto fortemente utopico.

Questa “scuola non solo scuola”

nasce, infatti, dalla fusione dell’Accademia

d’Arte e della Scuola

di arti applicate di Weimar.

Il suo atto di fondazione fa già

vedere in trasparenza la sostanza

del programma: arti liberali e

applicate si fondono per dar forma

a una nuova fi gura di artista-artigiano,

un “uomo nuovo” per

una “umanità nuova”.

Quanto emerge con forza dal

libro di Wagner è la profondità

e radicalità del progetto culturale

complessivo di Gropius,

progetto che si concretizza a

Weimar, ma ha origine a Stoccarda,

Vienna Monaco, centri

culturali aperti alle reciproche

influenze europee. Al centro

c’è il Gesammtkunstwerk, l’opera

d’arte totale, alla quale pittori

scultori e architetti lavorano

insieme. Gropius ha come modello

di ispirazione il Gotico e la

sua idea di città, di cattedrale, le

arcate mistiche e i campanili alti

fino al cielo. Non a caso, il primo

manifesto della scuola di Lyonell

Feininger nel 1919 reca l’immagine

di una chiesa altissima nel

suo campanile, costruito di luce

celeste in un gioco di riflessi che

congiunge terra e cielo.

La «Sedia Africana» e il «Totenhaus

der Frau», la villa per

Adolf Sommerfeld, esposti

nella mostra, appartengono

anch’essi a questo periodo, e

salta agli occhi la loro profondissima

differenza con le creazioni

di soli pochi anni successive.

Come interpretare questo

cambiamento? Il reclutamento

degli insegnanti è condotto da

Gropius per affinità elettive:

tutti insieme devono formare

una Bruderschaft, una specie

di «congregazione», di stretta

fratellanza, modello già adottato

nel secolo XIX prima dai

pittori «Nazareni» e poi avanti

fino ai francesi «Nabis», gruppo

ruotante attorno a Gauguin.

Gli artisti-membri della congregazione

dovevano leggere

insieme libri di geometria,

astrologia e architettura, fondare

e partecipare a cerimonie

festive indossando abiti particolari.

Un gruppo coeso, per

insegnare e per creare un’arte

nuova: «Il vero architetto

è il pittore» sosteneva Itten,

e così per esempio l’idea delle

pareti a finestra che si vedono

ancora in quel gioiello

di architettura Bauhaus che

sono le case degli insegnanti

a Dessau, arriva direttamente

dal tema delle finestre

cui Paul Klee lavorava

in quel periodo e che con

tutta probabilità gli veniva da

Delaunay, cioè dalla Francia, e la

finestra, come Matisse insegna, è

un passaggio, una trasparenza,

una soglia che divide e anche

mette in contatto due dimensioni.

L’elemento architettonico

parete di vetro è nato dalla ricerca

pittorica di Klee e senza quella

idea non sarebbe stato.

Quando il 12 aprile del 1919

alla seduta del Senato di Weimar,

Gropius dà lettura del

primo collegio insegnanti, i

primi ad essere nominati sono

i pittori Feininger e Itten, che

Gropius aveva conosciuto per

tramite della moglie, Alma

Mahler, intellettuale con tendenze

esoteriche attiva in tutta

Europa. Anche se Gropius diceva

di non capire l’arte astratta

di Itten, gli riconosceva però

una identità di sentire culturale,

tanto da affidargli il delicato

compito della formazione

base degli studenti nel primo

biennio. Un capitolo del libro

è dedicato alla scultura modernissima

di Itten, la «Torre di

Fuoco», esposta alla mostra.

Nel 1923 Itten è costretto a dimettersi,

e nel 1925 il Bauhaus

trasloca a Dessau. Nel 1928

anche Gropius si dimette e la

guida passa agli architetti Hannes

Meyer e poi Van der Rohe

nel Trenta. Il processo è molto

complesso, perché nel frattempo

anche le idee iniziali si sono

sviluppate e lentamente si sono

approfonditi i legami con le industrie.

Ma ancora è un processo

interno e non un cambiamento

radicale. Questo probabilmente

accade con le dimissioni di Gropius:

l’industria, non più tenuta

all’interno di una progettualità

forte, fa valere le sue leggi, e la

tecnica impone pian piano le

sue regole e i suoi tempi. E’ allora

che il Bauhaus si trasforma in

una questione di Stile, funzionalità,

razionalità, effi cienza. Questo

stile farà epoca estendendosi

in tutto il mondo e agendo

culturalmente fi no ai nostri

giorni grazie alla sua diffusione

negli Usa, dove circa 30 di loro

emigrano dopo che nel 1933 la

scuola viene chiusa dai nazisti.

Ma questa è un’altra storia.

Molte domande rimangono

aperte, quelle sulle tappe e i

contenuti dello sviluppo del progetto

iniziale, è stato veramente

sconfi tto oppure c’è stata una

trasformazione, se è cosi quanto

è trapassato negli Usa della

iniziale proposta culturale del

Bauhaus? La storia è ancora da

scrivere, ciò dimostra quanto il

Bauhaus sia ancora vitale.

Oltre mille opere esposte,

tra oggetti di design e

dipinti, da Kandinskij a Klee,

tra lampade, poltrone e sedie.

F.M. "Il nichilistico "Don Giovanni" di Mozart a Stoccarda"

Il 25 luglio la tv tedesca ha trasmesso live da Stoccarda la prima del "don Giovanni" di Mozart. Era stata molto pubblicizzata come una nuova messa in scena dentro e fuori il teatro, perché, oltre ad essere trasmessa in tv, sono stati allestiti degli schermi all'aperto ed il pubblico ha risposto numeroso e festante, con banchetti di wurstel ecc.e un intrattenitore qui molto noto grazie ai suoi programmi tv, Harald Schmidt, tra il pubblico nell'intervallo a registrare festa e umori.
La regia di Andrea Moses, coadiuvato da scenografi e costumisti, é molto attualizzante, i cantanti per lo piú giovani e di tutti i colori : Don Giovanni giapponese, Zerlina nera (è corretto scrivere cosí?chissa?!), ecc.In breve Moses ha narrato la storia di un moderno erotomane (ma non bisessuale), che non se ne lascia sfuggire una, cinico e sprezzante, che si diverte a far del male un po' a tutti, per primo Leporello, suo servitore e, si sarebbe detto in altre interpretazioni, non questa, suo alter ego.
 La storia, come vuole Mozart, finisce male, ma non come da lui previsto : niente inferno, nessuna sfida all'al di lá, alla metafisica, un suicidio con colpo di pistola alla testa, a conferma dell'indifferenza alla vita, innanzitutto la propria. Cosí come  anche il sesso, perseguito senza uno scopo, senza vero piacere, ma invece coazione a ripetere, senza una sfida, non mosso alla ribellione da uno spirito oppresso. Nihilismo puro.  Come Don Giovanni, cosí le sue amanti. Non c'é seduzione infatti quando la "vittima" non é tanto consenziente, quanto invece alla ricerca di avventura, purché sia. Sulla scena una umanitá divertente e stanca, senza desideri, aspettative, sogni, idee, neppure quella di "usare" il sesso per...e qui ciascuno metta quel che vuole.
La vita, una farsa che si trascina nella solitudine individuale e abissale di ciascuno e di tutti, costretti nella macchina teatrale perfetta costruita a suo tempo da Mozart secondo una evidente altra logica. In ció Moses attualizza, e risulta evidente proprio nei momenti di maggior stridore con la gabbia drammaturgica mozartiana, e il suo "Don Giovanni" é moderno, cosí per come la maggioranza degli intellettuali concepisce oggi il "moderno", in tutti i campi, e dunque anche in quello artistico. Una "fotografia" nichilistica della realtá, che é la facile interpretazione della vita e della societá, all'interno della quale ci si mette in fila per raggiungere
sovvenzioni e successo. La fotografia é invenzione, interpretazione e non documentazione, come sanno bene i fotografi.

F.M. "La cultura è un nuovo uovo fresco ogni mattina?"

In Germania si discute moltissimo in questi giorni sul futuro della Gemäldegalerie di Berlino, il museo che raccoglie capolavori dell'arte europea dal  14. al 18. sec (e il cui responsabile per la parte italiana è Roberto Contini). Le considerazioni di ordine economico di tutta la faccenda non sono secondarie: l'arte moderna e contemporanea "tira", fa registrare buoni incassi, dunque va promossa. Fin qui tutti d'accordo. Ma va promossa a spese dell'arte precedente, appunto quella della Gemäldegalerie, e qui iniziano i problemi, e le discussioni, gli appelli, la sommossa dei professori. Il museo deve sgombrare dal Kulturforum (lo spazio vicino alla Potsdamer Platz) e le sue sale riempirsi di "oggetti" contemporanei, la cui quantità straripante non è piú possibile contenere nella vicina Nationalgalerie di Mies van der Rohe. La Gemälde dovrebbe emigrare nelle sale del museo della scultura al Bode-Museum, in parte, la maggior parte invece finire negli scantinati, finché non sarà costruito un nuovo edificio atto a contenerla, nei pressi del Bode-Museum. Ma naturalmente ciò significa che almeno ad una generazione sarà negata la possibilità di entrare in contatto con le radici della nostra cultura. La domanda è: ce lo possiamo veramente permettere? Uno degli argomenti dei "nuovisti" è che così si avranno due poli, uno per l'arte moderna-contemporanea, uno per l'antica. Una vecchia utopia, che risorge di tanto in tanto soprattutto a Berlino, e che ha a che fare più con la coazione psicologica classificatorio-burocratica che con fatticità reali: infatti tutta la città è disseminata di musei contemporanei e antichi, riunirli (e qualcuno dopo la caduta del muro aveva proposto anche questo) è impossibile, dispendiosissimo, pazzesco. È ammirevole che si dispongano tanti soldi per la cultura (minimo 200 miolioni di euro), molto meno il progetto di politica culturale che questi soldi sorreggono e promuovono. Fare spazio all'arte contemporanea, certo, ma perché a scapito della cultura? Sarebbe come creare cattedre di inglese sopprimendo quelle di filologia, un non sense. Perché questa febbre di nuovismo brado, di uovo fresco ogni mattina? per pura avidità? per pura stoltizia? Le aste e la crisi, insieme a speculanti attivi e passivi, hanno creato il boom di massa di un'arte sempre più veloce e costosa, ma chi gestisce la cosa pubblica, anche per le generazioni future, non dovrebbe avere uno sguardo più lungimirante verso il futuro e verso quel passato che  é stato futuro, invece di pensare che siamo nati oggi? non le "converrebbe" avere uno sguardo storico  e basarsi su una teoria della conoscenza non appiattitita sulla riproduzione della banalità del quotidiano (teoria che i migliori tra i fotografi hanno da tempo abbandonato)? perché intendono  "converebbe" in senso solo monetario?

"Un giorno questo dolore ti sarà utile" film di Roberto Faeza

Un pensiero mi nasce immediato appena visto questo film. Le cose care vanno tenute care. Senza lasciarsi distrarre dalla fretta dell'andare oltre, fretta che per lo più nasconde la paura di essere di consistere. Le cose che contano, perchè le amiamo, vanno riconosciute in tutta la loro intera importanza, e l'intelligenza ci aiuta a tenercele accanto, trovando le forme e i modi, adatti e spesso tanto semplici quanto inusitati. Solo l'intenzione certa che esse contino fa sì che si riesca a salvarle dando loro il loro "giusto" posto .

"vedere abissi là dove sono luoghi comuni"

" e se l'idea di scultura non riguardasse

la creazione di un ornamento, bensì di uno

 strumento di indagine? " (Tony Cragg)

"vedere abissi là dove sono luoghi comuni"

(A.Webern-K.Kraus)

"l'uomo è soltanto il vaso nel quale viene versato ciò che la natura universale vuol esprimere"(A.Webern-Goethe)

riflessioni

 1

                                                     SATOR
                                                     AREPO
                                                     TENET
                                                     OPERA
                                                     ROTAS

Quadrato magico e formula magica latina (il contadino Arepo guida con il lavoro l'aratro). Si può leggere in tutti i sensi: dal basso, dall'alto, da destra, da sinistra. Per A.Webern è la cifra del proprio lavoro.

2

Mi chiedo: e se l'arte contemporanea non fosse, come per lo più si dà per ovvio, un'arte per i sensi, per l'udito per l'occhio,ecc, ma per l'anima? Che l'arte "medievale"sconvolse le regole, pur ancora ben note, di quella precedente adottando un paradigma dell'anima, è penseiro condiviso. La stessa cosa é avvenuta poi con il volume e lo spazio prospettico. E' allora possibile che anche questa nostra arte contemporanea non sia per rivolgersi solo al corpo e alla materia, e in modo scisso e contrapposto allo spirituale?
In che senso?

3

Il mercato ha bisogno di novitá per sorprendere invogliare guadagnare .
L'arte é come l'angelo di Klee, va avanti solo guardando indietro. L'andare avanti é fatto della materia del  passato. Nel presente, passato e futuro si incontrano.